中财网钱信忠 钱世桢:舞蹈和音乐之间的第四个层次
来源：百度文库 编辑：中财网 时间：2024/04/29 04:09:34
舞蹈和音乐之间的第四个层次，也是最后一个层次：「舞蹈与音乐的对话」
在前三个层次中，舞蹈和音乐其实都没有在真正意义上平等合作过。第一层次是以音乐为主导，第二层次是以舞蹈为主导，第三层次中，舞蹈和音乐的地位平等了，却是各自为政，彼此之间的碰撞，固然火花四溅、精彩纷呈，却缺乏有机性的互动关系，出来的结果，没有了你中有我、我中有你的乐趣。
平时舞蹈家和音乐家合作，如果幸运的话，两人有充裕的时间沟通，甚至在创作时，舞蹈家可以先排一点舞蹈让音乐家看，刺激音乐家的灵感，音乐家也先奏一点音乐，刺激舞蹈家的灵感，然后互相促进，慢慢地编创出完整的音乐和舞蹈。沟通的过程是缓慢而需要耐心，而且不保证最后结果能看见音乐和舞蹈的完美结合，因为艺术家之间的审美情趣各有不同，真能产生你中有我、我中有你的效果，又能诚实反映舞蹈家和音乐家的内心世界的，实在万中无一。更多的时候，舞蹈家和音乐家之间，产生许多无谓的争吵，成绩不一定比以音乐做主导，或是以舞蹈做主导的作品好。
我自己个人却特别喜欢第四层次中，舞蹈跟音乐平等对话的境界，可是要达到平等对话，不能勉强任何一方迁就对方。在编舞过程里，也就意味着编舞家要重新审视自己的艺术创作观念。一般来说，编舞家编排舞蹈的时候，一开始脑海里便有习惯性的什么是「美」，或者有自己偏爱的创作手法，在排练的时候，很容易就把自己的一套般来，强加在音乐或作曲家的头上；最后在舞台上呈现出来的效果，可能在视觉上达到自己的目的，却往往不能跟音乐感觉吻合，有时甚至肢解了音乐的艺术完整性以迁就自己的舞蹈，我常说笑那是编舞家「强奸」了音乐，难怪惹的音乐家们老不高兴！
因此我在自己的创作过程中，尝试用舞蹈来跟音乐进行对话，不要音乐来迁就我，我也不去迁就音乐。编舞之前，首先想好自己舞蹈的主题、结构和意象概念，然后耐心跟作曲家沟通；如果没有作曲家合作的话，便要进行大量的搜集聆听音乐的工作，找寻合适的音乐。老实说，任何人在编舞前，脑子里对最后出来的作品都只有一个模糊的感觉形象，由作曲家谱写的新音乐或由自己千挑百选的现成录音，都不可能百份之百印证那个模糊的感觉形象，所以当选取好音乐之后，拿到排练厅里开始设计动作以配合声音，才是见功夫，也是真正舞蹈跟音乐对话的时候。
常有这样的情况发生：我们编好了一段舞蹈，跟音乐结合的时候，发现音乐多了（或少了）几个小节，怎么办？在第一层次里，我们再多编几个多余的动作以填满音乐；第二层次里，我们把几小节的音乐剪掉；第三层次里，我们干脆不理会音乐，别动就是。明显地三种方法都会使舞蹈和音乐之间产生一点遗憾。原因就是在设计动作的时候，我们太多用了习惯性的「美」，或者自己偏爱的创作手法，当跟音乐里的曲式变化一对不上号，便产生矛盾。
解决的方法是放开自己原来的编舞程式，或固有的审美观念，尝试用身体跟声音对话。所谓对话，不是直接的身体反应，而是把音乐视为交谈的对象，比如说，我们可以假设音乐的一段旋律，等于一句问话「你好吗？」，过去我们可能希望用动作来表现「你好吗？」的意思，才叫吻合音乐，但在对话中，我们却要停下来，思考一下，然后用动作来回答「我很好！」。在这种第四层次的关系中，动作和声音虽然不像一个萝卜一个坑般紧密相对，但里面的有机联系，是会清晰浮现的。
可能有人会质疑在第四层次中，编舞家只关注跟音乐的对话而没有了自己艺术上的见解和执着，最后出来的作品会不会偏离了原来的构思？其实，只要在前期跟音乐家的沟通做得好，或选取的音乐合适的话，整体作品的迈向还是掌握在编舞家手上，也在原来的主题、结构和意象概念的框架中。当然这种对话关系，要求的是编舞家能敏锐地感受音乐，并在审美方面有高度调适能力（Adaptability）。而对我来说，最后出来的结果，可能不是百份之百印证了我原来那一个模糊的感觉形象，却会有更多的可能性，和更多的来自于音乐家的艺术构思参与其中，让作品真正地达到舞蹈中有音乐、音乐中有舞蹈的乐趣。
在前三个层次中，舞蹈和音乐其实都没有在真正意义上平等合作过。第一层次是以音乐为主导，第二层次是以舞蹈为主导，第三层次中，舞蹈和音乐的地位平等了，却是各自为政，彼此之间的碰撞，固然火花四溅、精彩纷呈，却缺乏有机性的互动关系，出来的结果，没有了你中有我、我中有你的乐趣。
平时舞蹈家和音乐家合作，如果幸运的话，两人有充裕的时间沟通，甚至在创作时，舞蹈家可以先排一点舞蹈让音乐家看，刺激音乐家的灵感，音乐家也先奏一点音乐，刺激舞蹈家的灵感，然后互相促进，慢慢地编创出完整的音乐和舞蹈。沟通的过程是缓慢而需要耐心，而且不保证最后结果能看见音乐和舞蹈的完美结合，因为艺术家之间的审美情趣各有不同，真能产生你中有我、我中有你的效果，又能诚实反映舞蹈家和音乐家的内心世界的，实在万中无一。更多的时候，舞蹈家和音乐家之间，产生许多无谓的争吵，成绩不一定比以音乐做主导，或是以舞蹈做主导的作品好。
我自己个人却特别喜欢第四层次中，舞蹈跟音乐平等对话的境界，可是要达到平等对话，不能勉强任何一方迁就对方。在编舞过程里，也就意味着编舞家要重新审视自己的艺术创作观念。一般来说，编舞家编排舞蹈的时候，一开始脑海里便有习惯性的什么是「美」，或者有自己偏爱的创作手法，在排练的时候，很容易就把自己的一套般来，强加在音乐或作曲家的头上；最后在舞台上呈现出来的效果，可能在视觉上达到自己的目的，却往往不能跟音乐感觉吻合，有时甚至肢解了音乐的艺术完整性以迁就自己的舞蹈，我常说笑那是编舞家「强奸」了音乐，难怪惹的音乐家们老不高兴！
因此我在自己的创作过程中，尝试用舞蹈来跟音乐进行对话，不要音乐来迁就我，我也不去迁就音乐。编舞之前，首先想好自己舞蹈的主题、结构和意象概念，然后耐心跟作曲家沟通；如果没有作曲家合作的话，便要进行大量的搜集聆听音乐的工作，找寻合适的音乐。老实说，任何人在编舞前，脑子里对最后出来的作品都只有一个模糊的感觉形象，由作曲家谱写的新音乐或由自己千挑百选的现成录音，都不可能百份之百印证那个模糊的感觉形象，所以当选取好音乐之后，拿到排练厅里开始设计动作以配合声音，才是见功夫，也是真正舞蹈跟音乐对话的时候。
常有这样的情况发生：我们编好了一段舞蹈，跟音乐结合的时候，发现音乐多了（或少了）几个小节，怎么办？在第一层次里，我们再多编几个多余的动作以填满音乐；第二层次里，我们把几小节的音乐剪掉；第三层次里，我们干脆不理会音乐，别动就是。明显地三种方法都会使舞蹈和音乐之间产生一点遗憾。原因就是在设计动作的时候，我们太多用了习惯性的「美」，或者自己偏爱的创作手法，当跟音乐里的曲式变化一对不上号，便产生矛盾。
解决的方法是放开自己原来的编舞程式，或固有的审美观念，尝试用身体跟声音对话。所谓对话，不是直接的身体反应，而是把音乐视为交谈的对象，比如说，我们可以假设音乐的一段旋律，等于一句问话「你好吗？」，过去我们可能希望用动作来表现「你好吗？」的意思，才叫吻合音乐，但在对话中，我们却要停下来，思考一下，然后用动作来回答「我很好！」。在这种第四层次的关系中，动作和声音虽然不像一个萝卜一个坑般紧密相对，但里面的有机联系，是会清晰浮现的。
可能有人会质疑在第四层次中，编舞家只关注跟音乐的对话而没有了自己艺术上的见解和执着，最后出来的作品会不会偏离了原来的构思？其实，只要在前期跟音乐家的沟通做得好，或选取的音乐合适的话，整体作品的迈向还是掌握在编舞家手上，也在原来的主题、结构和意象概念的框架中。当然这种对话关系，要求的是编舞家能敏锐地感受音乐，并在审美方面有高度调适能力（Adaptability）。而对我来说，最后出来的结果，可能不是百份之百印证了我原来那一个模糊的感觉形象，却会有更多的可能性，和更多的来自于音乐家的艺术构思参与其中，让作品真正地达到舞蹈中有音乐、音乐中有舞蹈的乐趣。
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