欧阳少恭穿越到华胥引:[儿童插画]绘本作者必读的常识手册

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【印刷篇】为什么要把印刷篇放在最前面呢？我曾经对一个朋友说，如果在我做第一本图画书的时候，就知道这些印刷常识，我真不知要少走多少的弯路！而在小书房举办的图画书大赛中，我发现许多选手正在走和我当初同样的弯路，有的常识性错误甚至已经导致其作品连样书都无法制作。为此，特写下此文，希望能给初学者一些启示，而把印刷篇写在最前面，是希望大家明白，制作一本真正的图画书绝不仅仅是写字+绘画那么简单，它包含的前期策划和设计成分要远远大于普通人的想象。而这些设计，都是需要对印刷知识有所了解的。一、P是什么P是page的缩写，这里说的P是书翻开后，可阅读的左页或右页，也就是一页纸的单独一面，而不是我们通常概念中“翻过一页日历”那样的，将纸的两面都算。你也可以把P理解为页码，虽然现在大多数图画书都没有在边角印上页码，但是在图画书排版中，P1、P2这样的概念却是至关重要，因为它直接影响文字和图的结合——如果排版时弄错页码，不仅会出现左右页颠倒的荒诞情况，也会出现原来精心设计的悬念落空的情况。比如，蒲蒲兰的《衣服衣服捉迷藏》里，每隔一页出现的文字都是对上一页出现的谜语的回答，如果回答的文字提前出现，当然会是极其令读者扫兴的。但是，弄不清P是什么概念，还经常在文字里把一个跨页标错为1P的现象，却屡屡出现在我们选手的投稿中，在这里我就不说是哪几位了，因为实在很多，容易打击一片，我在这儿只是想说，这个概念是所有图画书创作者，不论是文字创作还是绘画创作，都必须掌握的一个基本概念，因为这涉及到图画书中单页和跨页的设置，而这些设置又直接影响一本图画书在翻阅中的节奏感，如果连P是什么都不清楚，又怎么可能在写作和绘画时把握这种内在的节奏呢？二、开本和印张的关系一本图画书，如果是长方形，通常会是32P（含扉页和版权页），如果是接近正方形，通常会是20P或者24P（含扉页和版权页），而且这些书大都会在版权页上标记有16开/1印张，20开/1印张，或者1/16、1/20的字样，大家可以拿出自己手里有的图画书来看看，是否和我说的一样，并且想一想，这是为什么？谜底，其实就在于印刷——印刷制作一本书的过程，就是用一整张大纸，裁切成若干份，在纸上印上图画和文字后，再切齐边缘，进行装订。而1印张的意思是什么呢？这本书在印刷中刚好用完了一整张纸？不，其实只是这张纸的一面。如果是2印张，才是用了这张纸的两面，也就是一整张纸。这个概念十分重要，它有助于我们理解，开本和印张之间的关系。同样大小的一整张纸（通常是787*1092mm），可以裁成16开（请想象一本和普通杂志一般大小的长方形图画书）；也可以是32开（请想象一本卡梅拉那样大小的长方形图画书）；它也可以裁成20开或者24开（请想象一本老虎外婆那样的接近正方形的图画书），这也就是说，同样是1印张制作的书，因为开本不同，页数也会完全不同，而开本的页数除开本数就是印张数。比如一本24开的图画书，共有36P，那么它就用了1.5印张，如果是48P那就是2印张，可如果是40P，那么就是除不尽的，也就是说，会出现印张的浪费。这里还需要大家特别注意——不管一本书用了多少印张，绝不会有页码不能被4整除的情况出现，要明白这个道理，先请大家想一下，只有30P，或者只有22P，这样的书是否会存在？答案是，绝不可能。这是为什么呢？理由很简单，因为装订中的纸张，不管是钉书机那样钉在一起，还是用线缝在一起，都肯定是左右各一页对称连在一起，否则如果只有左页，没有右页，那是肯定没法和整本书连在一起的。如果大家有过从日记本上撕纸页的经验就可以知道：你撕下一片纸页，另外有一片肯定也会很快掉下来。所以，在装订技术还没有被改天换地之前，所有图书都必须是由左右相对，正反面相对的对页组成，每一组对页都必定是4P，而开本则必须能被4整除，否则就会出现纸张的浪费。可我们的图画书稿件里却不止一次出现这样的情况，这里一个典型的案例是《我的勺子》，它是16开的设计，但是却刚刚好就是30P，也就是注定有一个左页是没有右页和它做对页的，这样的草图，如果要做成样书，就只能加2P空白页，而要出版呢，则必须要重新设计了。另外，除了上述这些因素，图画书开本和印张的设置也是要考虑读者的接受能力的。比如，一本超过60页的图画书，光翻页要花多长时间？换成你自己给孩子读，你认为他们会有耐心听完吗？又比如，一个48开的图画书里的小字，是不是会让读者看着感觉眼花花？所以，这就是为什么，大多数的图画书页数都控制在24页-36页，而且大都是中型开本，也就是16开到24开。这些设置绝非随意为之，而是综合考虑了各方面因素的结果。三、尺寸和开本的关系其实，尺寸的不合适往往比开本和页数的不合更为糟糕，比如《月亮，你去哪》这一本书，明明是长方形，可它既不是16开大小，也不是32开大小，更不是20或者24开大小，而是比16开的尺寸短一截，比24开的尺寸高一截，这样的书如果要印刷，就只能按16开裁纸，然后再切掉一大块纸边，这些纸边往往比多几个空白页更加浪费惊人，因为一切掉纸边，在视觉上，这本书就已经接近24开的小书本了，可实际上呢，它是用的16开的纸张，如果它是32P，它就要用去2印张，而如果它当初索性再短一些，用24开印刷的话，它就只需1.25印张即可完成。如果这是一本书，这三分之一个印张看去也不惊人，可如果这是印刷两万本书呢？那它就是一万二千五百张纸和两万张纸的差距啊！且不说成本的浪费，即使是对环保来说，这种浪费也是巨大的。四、文字不是纯装饰在一些选手的来稿中，比如《我的勺子》和《星星猫》，使用的是纯手写字和自己在软件里处理过的美术字，这种字体富有个性和装饰感，如果在封面等地方有节制地使用，倒也不错，可问题是如果整本书都是用的这种手写字或者美术字，它导致的一个直接结果就是，无法用排版软件进行排字，而如果用图形处理软件来处理这些手写字，如photoshop，那么书里的字，尤其是小字，是绝对没有可能印刷清楚的。即使不去管这些印刷不清的小字，当我们制作日文版的样书给宫西达也等日藉评委的时候，又出现一个问题，那就是所有手写字都无法转换为日文，日文排版不得不使用和中文版不同的字体，这就是为什么我们会看到，即使如《查理和劳拉》这样以字体大小变化作为图画书的一种表达手法的作品，也是使用的标准字体（原版的字体也是印刷体而非手写体），这正是基于图画书是一种印刷品而非手工制品，而手写字绝对不利于书的改版！所以，在使用手写体或某种特异美术字的时候，请一定为美编为外国读者为若干年后再版这本书的人考虑一下。此外，也别把使用标准印刷体当作是没个性，仔细看一下你手里的原版图画书，你会发现，这些书大都是用标准字体印刷的，但并不妨碍它们表现出截然不同的风格特点。而且，用美术字体来制造装饰感多半会削弱画面本身的美感，除非你对自己的绘画没有什么自信，否则你是完全没必要让那些异形的字体来喧宾夺主的。还有一种情况，也屡屡出现，比如《最后的雪花》，就是把故事体的文字当成了诗歌，在文字排版中随意分行分段，甚至连标点符号都是随意为之，首行没有空两格，在无数标着逗号的地方做了分段，乍看起来文字排得很诗意，但是却完全不合一个出版物的起码要求。存在同样问题的还有《星星猫》，即便作品内容本身采用的是韵文体的形式，但是，标点段落也同样处理得过分随意，如果完全没有标点也就罢了，可既有标点，又不按标点划分段落，同一句话还常一分为二，出现在书的不同页面，这不仅让人在阅读时感到很散乱无章，而且很多标点、分段的使用都不合基本的语法。作为画家，更注重画面而不是文字，这完全可以理解，但是无论何时，你在创作的是一本“书”，而不是什么别的。即使是一本漫画书，文字在其中也不会堕落到纯装饰的地步。如果一本书的文字是这样混乱，那它的图画再好，也谈不上是用图文共同表达故事。五、RGB和CMYK的不同CMYK，是印刷中的用语。其中四个字母分别指青（Cyan）、洋红（Magenta）、黄（Yellow）、黑（Black），在印刷中代表四种颜色的油墨，一本书的所有色彩，都源于这四种油墨按不同比例的调节。而RGB，是电脑显示屏上的三原色，电脑上所有的色彩，都是这三种颜色混合显示的结果。在PS等图像软件里，图片的色彩可以选择这两种不同模式进行保存，在我们调色、制图的时候，应该选择的是RGB模式，因为我们是在用电脑工作，我们导出图片做PPT的时候，也应选RGB模式，因为PPT是要用电脑或者幻灯放映（幻灯和电脑同为光色模式）。但我们导出图片去做印刷的时候，就应该先选择切换到CMYK模式了。如果全部选RGB模式会是什么结果？当然就是图片没法印刷出准确的色彩。如果全部选CMYK模式又会如何？还是色彩不准，因为你用CMYK模式调色的时候，你所见的色彩和实际色彩是会有一些偏差的。由于没有见过原稿，我不敢肯定，本次大赛的选手是否都是按照先RGB再CMYK的程序保存的图片，但是至少绝大部分保存为RGB模式的图片告诉我，还有许多人并不是很了解这一常识。固然，我们可以通过软件再转换这些图片的模式，但是，这毕竟不是作者亲手操作，也非在同一台电脑上操作，难保其中不出现这样那样的色彩偏差。这也是为什么，即使有了电子稿，大多数认真负责的出版单位仍然会需要作者原稿来做出版前的对照。六、300像素绝不能少dpi是扫描时大家经常看到的一个计量单位，实际上，不管是打印还是印刷，我们看到的图像都是由无数个极其微小的墨点组成，而dpi就是这样的一个点。一般所说的印刷分辨率是300dpi，或称300像素，也就是在1英寸的纸张里有300个墨点，当然也有些高品质图书的像素要求更加高，所以300像素只是一个保证图片清晰度的底线。所以请务必在扫描时注意一下你的扫描仪设置，一般建议在扫描图片的时候把dpi调得高一些，比如400-600像素/英寸，这样会便于后期制作时的调整。如果你的图不是手绘，而是直接在photoshop等软件里做的，那么，请一定记住打开图像大小，看看分辨率是否达到了300像素，如果大于此，没关系，但如果你之前的图是小于这个大小保存的，你再想在软件里放大，那也是白费力——150的图片即使能放大到300，它印刷出来的也只可能是一张模糊的图片，因为放大中增加的像素仅仅是软件根据你保存的原图片，通过计算补给的，这种补给的“模拟像素”绝对达不到300像素的正常清晰度。比如《妞妞和三三》这个作品，就是在ps软件里用150像素修图和保存的，不幸中的大幸是，作者的剪纸原稿仍在，还可以用这些原稿按照300像素的标准在电脑里重新拼合制作（只是颇费时间），但是如果这150像素的制作是一个没有原稿的、直接在电脑里手绘的作品，那么，无论它有多好多美，也不可能出版了。附录：图画书常用开本、尺寸和字体及其他注意事项下面，是一些制作图画书常用的开本和尺寸，希望大家能在知其所以然后，在自己设计图画书时好好运用这些数字。1、开本和成品尺寸A、正度纸 787×109216开（长方形，图画书最常见的开本）187×260mm 32开（长方形，多用于文字书，偶尔也有一些图画书使用这种小开本）130×187mm20开（接近正方形，同样是常见的图画书开本）185×210mm24开（接近正方形，比较小巧便于翻阅，常见于低幼图画书）182×170mm40开（接近正方形，常见于口袋本，也多见于0-3岁图画书）148×126mmB、大度纸 889×119416开（长方形）210×285mm32开（长方形）140×210mm20开（接近正方形）215×225mm24开（接近正方形）215×188mm40开（接近正方形）170×140mm（什么是成品尺寸？你可以拿一本自己觉得大小合适的书，量一下它的尺寸，这个尺寸就是我们通常说的“成品尺寸”，而画稿的尺寸一般要比成品尺寸稍大3-4mm，以供后期裁切，这3mm也称“出血位”）必须注意的规律：用页数除以开本数，得到的就是一本书的印张，比如，32P的书，16开，就是32除以16=2印张（请注意，这32P包括扉页和版权页，但是，封面封底的用纸都是不包括在其中的，因为封面用纸的厚度、质地一般不会和内文一样，在印刷中是另算的），不能做整除的话就会出现印张的浪费。16开、32开、20开、24开、40开和48开的页码都应是4的倍数，否则也会出现印张的浪费。在你设计自己的书的时候，一般的步骤是要先明确自己的开本，但如果你的文字和图是出现在先，那么你就只能反其道而行之。比如，你的图全部接近正方形，那么考虑到环保和节省成本，你就只有选24或者20的开本。2、字体A 宋体：最常用的字体，多用于图画书正文，版权页，题跋等比较正式的内容B 楷体：多用于图画书正文（这种字体比宋体软，搭配有古典气息的图画比较合适），题跋，序言等比较需要体现文雅气息的内容C 黑体：多用于小标题，重点词句（如赠言），图画书中的拼音、加注等需要引起读者特别注意的内容，在极少数情况下（如书中正文字数极少而又需引起读者注意）也用于正文。必须注意的规律：内文用字最好只以上三种字体为准，而不要使用特殊字体或手写体，否则对图书在后期的制作如推出外文版、小开本版，都非常不利。实际上，这三种常用字体的合理搭配使用，就足够所有种类图画书的制作，而其他一些诸如汉仪、方正推出的各类美术字体，除了在封面、封底制作一些纯装饰感，基本没有太大用处。而且正如我前面说过的，除非你对自己的绘画没有什么自信，否则最好还是不要滥用那些经不住细看的美术字来削弱读者对画面的注意。另外，最好不要用ps之类的图像处理软件来排字，或者把字和图片合并在一起处理，因为图像软件排的小字是会发“糊”的，而字体和图合并处理也不便于后期版面的调整与修改。我个人推荐使用indesign这样的专用排版软件，使用后你才能体会到排版的真正意义，以及开本、版面的变化对一本图画书有多么的重要。
【草图篇】在正式开始画一本图画书之前，要做的准备其实是很多的，有时正式开始画可能也就一个月，但事先准备工作却可能做半年，不过，老实说，图画书创作的最大乐趣也就在这些事前准备中，在一切未确定的时候，每次尝试都会有意外和惊喜。这种感觉，真的会让人上瘾。这里是将所有画正稿之前的准备都归纳入这个草图篇，如果严格地说，这一篇其实应该叫“正稿前传”。 一、脚本：好想法需要表现得出来 有人问一位国际级服装设计师，设计一件服装，是内在想法比较重要，还是外在表现比较重要？设计师回答：如果你有一个好想法，可没表现好，你会做出来一个很烂的衣服；如果你有一个烂想法，可表现得很好，你做出来的还是一个很烂的衣服。 对于图画书来说，其实也如是。如果你有一个很好的脚本，但你没有功力去表现好它，你会做出一本烂书；如果你有一个很烂的脚本，那么不管你技法多好，把它表现得多完善，它还是一本烂书。 所以，选择一个适合自己发挥的好脚本，是通往成功的、最最关键的第一步。很多绘本作者喜欢自己写自己画，其实，这也没什么不好，但是你必须看清一个现实，那就是，即使是你自己写的故事，也未必就是最能发挥出你创作优势的故事。比如，我作为一个童话作家，也曾写过许多故事，并且有很多是专为图画书写的脚本，可在我自己写的《蓝羽毛》和《一定要捂住》这样并非我本人写的故事之间，我却会选后者。为什么呢？因为《蓝羽毛》情感非常细腻，也就相应需要比较细腻写实的画风与之呼应，而《一定要捂住》则更为天马行空，需要更大胆的想象和不拘一格的构图。我很清楚我更擅长后者，因此，我的选择是与朋友共同合作，尽可能发挥出每个人最具优势的一面。 那么，如果你过去从没画过图画书，更不清楚自己擅长什么，又怎么才能确定一个脚本就是适合自己的呢？有一种方法是最简单也最困难的——如果一个故事，不管是你自己写的还是别人写的，让你看了以后能在脑海里立即浮现出画面，并且有一种要把这画面记录下来的冲动，那么你就选它没错了——很可惜的是这种心灵碰撞有时一百年也不会等来一次。还有一种方法是比较复杂但很好操作的——自选十个风格各异的经典名作，比如，注重角色冲突的《小红帽》，注重营造浪漫气息的《天鹅湖》，注重表现心理活动的《卖火柴的小女孩》，注重幽默感的《豌豆上的公主》，注重表现幻想氛围的《灰姑娘》，注重荒诞不羁感的《青蛙王子》，注重刻画细腻情感的《海的女儿》等等（这里，我是故意假设为一个擅长画女性角色的画家在选故事，如果你擅长画动物，当然也可以选注重角色冲突的《三只小猪》、注重幽默感的《不莱梅的音乐家》、注重表现心理活动的《丑小鸭》、注重幻想氛围的《老鼠嫁女》等等），然后，为这些故事配图或者画草图，如果有哪个故事你画得最顺畅，别人看了也觉得最好，那么恭喜，你就找到自己擅长的故事类型了。 选经典故事练手还有三大好处——1、这些故事都久经几个世纪的时间考验，被证明不是“烂想法”，所以能够让你充分发挥自己的表现力；2、这些故事大都有图画书大师们的珠玉在前，通过和成功作品的比较，自己的优势和不足立刻能清楚显现；3、如果其中有些故事你确实表现得有过人之处，就可以考虑画正稿把它完成，因为它们没有版权限制。而且，正因为它们没有版权限制，在绘画时你还可以做一些颠覆，比如芭贝柯尔在《灰王子》里把灰姑娘画成一个男人，又比如《三只小狼和大坏猪》，也是故意把狼和猪的角色颠倒了来画，并产生了特别有趣味的效果。 还有一种情况：你本身就是一个图画书脚本创作者，并且有很多脚本想自己尝试完成，又不知画哪个合适。其实，对这样的作者，也有一个比较复杂但很好操作的方法——选择十本风格各异的、自己比较喜欢的图画书，对其进行色彩稿的临摹，哪个临摹得最顺当，别人看了也觉得最好，那么恭喜，你就找到比较适合自己的画法了。这时，再根据自己擅长的画法去选故事，相信你也就会比较心中有数了。 二、开本：大小要以人为本 选定了故事之后，要做的工作其实还是刚刚开始，比如决定绘画的开本尺寸，决定用什么手法去表现，等等。有些作者喜欢把画纸设置得很大，其实画得太大会带来两个问题：1、纸面太大，影响手的发挥，大家也知道不管是谁的胳膊，长度都很有限，如果纸张超过了手能控制好的范围，你就不得不一面移动身体，一面画画，这样一来，要做到一气呵成画好一根线都很难了；2、扫描图片极不方便，普通的扫描仪一般都是A4大小，如果是A3大小的画，就要两次扫描然后在电脑里再拼起来，可如果比A3还大，就要分四次才能扫完一张图，拼接的难度也大了N倍。毕竟现在大多数图画作者是以电子稿形式交付稿件到出版社，所以，如果你想画的不是清明上河图那样的巨作，不是为了画出很多的细节，不是要开画展，最好还是用普通A4纸来完成你的大作。而且一般来说，16开（接近A4大小）的图画书就已经算是很大了，除非是要做地板书，图画书的几个常用尺寸都不会大于16开，最多就是画跨页的时候会用到A3大小的纸张（其实我有时也会用两个A4拼起来画跨页）。 尺寸大小和你的读者定位其实也有关联，如果是给0-3岁读者的图画书，24开、40开这样的小方形本是最常用的，米菲系列、莫妮卡的无字书、林明子的幼幼绘本，基本上都是在这个大小，这主要是考虑到这时期的宝宝抓握的能力有限，过大的开本会使他们在阅读时无法享受自由翻页的乐趣。而3-6岁的图画书，就以大24开、20开的大方形本居多，16开的长方形开本也不少，这时用大开本主要是考虑到，这一时期的孩子比较好动，注意力不能长时间集中，用大幅画面就更能引起他们阅读的兴趣。到6岁以上读者，16开的大长方形图画书仍是主流，但也开始出现32开的小开本图画书，之所以用这样的开本，是为了和孩子们即将开始的文字书阅读接轨，这接轨当然首先体现在图画书的“外貌”开始靠拢文字书，而有些图画书不仅开本靠拢文字书，内容上也减少了以图说故事的份量，转而偏重于文字，比如《青蛙和蟾蜍》这样的书，正因为它起到了由图画书向文字书的过渡作用，所以也被称为“桥梁书”。如果你很清楚自己的读者定位，那么在选择开本时当然也会心中有数。但也有很多时候，你在创作一本书的时候并不是十分清楚自己的故事是画给谁看，那么，最保险的做法是，按20开或者16开来画，因为这两种开本是最普遍使用的，20开偏低幼一些，16开偏成熟一些。 三、绘画手法：勇于尝试才能找到最好的 绘画手法或者说风格，其实和故事定位直接有关，比如《艾特熊和赛娜鼠》这种情感细腻的作品，还有《小鬼的帽子》这种浪漫忧伤的童话作品，用水彩表现，就很珠联璧合。但是个人以为，水彩并不适合第一次做图画书的初学者，因为它要求绘画者有较好的色彩感和较高的控制力，对笔、水、色、纸四者的调整与把握，没有扎实的基础是很难做到的，这对初学者会形成比较大的心理负担，在绘画时会放不开，也就难以发挥出自己的最好水平。相比之下，一些另类画法倒是能让初学者找到意料之外的乐趣。 比如，彩纸拼贴，这种风格特别适合用于表现单纯的低幼故事，比如艾瑞克·卡尔的《海马先生》是用自己染色后剪下的纸块拼贴，李欧尼的《小蓝和小黄》是用印刷好颜色的彩纸拼贴，米菲系列其实也是不同颜色的纸张拼出来的。 刮蜡纸是很多人当成小孩玩具的东西，但是对擅长线条而不擅长上色的初学者，它往往能发挥出奇佳的画面效果，个人经验是，用刮蜡纸画民族风的故事，或需要一点怀旧感的故事，都非常有韵味，而且最关键的是，它的绘制过程极其简单（所以小孩才那么喜欢）。 印画，是另一种值得尝试的简单手法，用橡皮、萝卜、纸板等各种可以刻出花纹的材料，或者干脆用手指，沾广告颜料或彩色墨水，就可以代替笔和刷子，印出韵味独特的图案，印出的图案再加几笔线条勾勒，就是一幅有虚有实的图画，印画尤其适合表现一些活泼有趣的故事题材，比如画老鼠嫁女，以手指印出身体，再用墨水笔或铅笔加画细细的眯眯眼、一条翘尾巴和几根小胡子，一只小老鼠立刻活脱脱出现在纸上。 彩铅也是图画书中运用极为广泛的手法，但由于彩铅上色效率非常低，也要很熟练的技巧和极大的耐心才能画得比较完美，所以不是每个人都耐得住性子去做练习。不过，如果将彩铅和色粉笔搭配使用，其上色慢的问题就能很好克服，大块色彩用色粉铺垫，细部再用彩铅勾勒填充，就能画得又快又好看。而且不用专门的纸张，也同样可以达到水彩中颜色渐变的效果（如果想用色粉画出晕染的效果，一个窍门是，要用手指涂抹色粉笔的细末，而不要直接用笔涂抹，不同颜色的细末混合涂抹，出来的效果就是水彩的渐变）。我在《一定要捂住》A版里，就是采用的这种绘画手法。 色粉笔还有两个好用法：1，用白的色粉在有色纸上涂抹，比如黑纸或是牛皮纸，出来的效果就接近雪景，用这种方法，换换颜色，还可以画出很多很梦幻的风景；2，把剪出的纸花蒙在纸上，再用色粉涂抹，再拿掉剪纸，就会出现非常独特的画面效果。这两种用法都适合表现有诗意的故事，关键是纸的颜色和色粉是否能搭配得谐调美观。 丙烯颜料干得特别快，如果用质地比较粗的纸，用丙烯颜料反复涂抹，出来的效果接近油画，比如《彩虹色的花》，就属于用色非常鲜明，质感又很丰富的风格。丙烯如果加入适量的水，也可以像水彩、水粉一样画出很透明的效果，比如《小鸭黛西》，就用丙烯画出了非常美丽的水面和天空。 除了这些手工方式，还有一些画法可以利用电脑这种现代工具，比如《查理和劳拉》，就是将画在纸上的人物、动物和作者平时收集的图片素材用ps进行拼贴，由于作者运用ps软件相当熟练，而且在电脑中可以做各种超越常规的尝试，所以这些画也呈现出了很酷的艺术效果。这种创作手法尤为适合用来表现富于现代气息的、具有幽默感的故事。 说了这么多，其实真正重要的是一句话：不管怎样，在创作图画书的时候，一定要多尝试各种方法和风格，不要在一开始就把自己局限在用水彩或者用彩铅的老框框里。曾获得过三次凯迪克金奖、六次凯迪克银奖的玛西亚·布朗，几乎每创作一本新书都会给人耳目一新的感觉，她也几乎尝试了从水彩、版画到油画、拼贴的各种创作手法，她的创作观是，每个故事都应该配合最为适合表现它的绘画风格，而为了找到这样一个适合的风格，她往往会反复尝试，甚至专门来中国学习水墨画。这是一种什么精神？这就是图画书作者的精神！ 四、草图：用多元化思维创造世界 很多绘画作者会非常轻视草图，画草图的时候往往草率为之，有时甚至直接跳过去，因为他们觉得：反正构图都存在我脑子里了，画不画出草图来又有何不同？我只能为这种作者感觉惋惜，因为他们已经错过了创作一本图画书中最有乐趣的部分——可以称为“创造世界”的部分（正稿只不过是在对这世界加以完善罢了）。 做草图的第一步不是别的，正是创造书里的角色，也可称为“造型期”，如果你要画一个小红帽，在这一期间，你可以让小红帽长一个胡萝卜鼻子，一抬手，也可以让她多两个招风耳，你的小红帽可以胖得像个肉丸子，也可以瘦得像个火柴棍，你想让她试穿小天鹅舞裙，或是想让她穿土著人的草裙，都没有关系，究竟造出一个怎样的小女孩，全在你一闪念之间，这个时候，你就是上帝，至少感觉就如上帝。虽然，最终你只能派出一个小红帽去见读者，但是同时存在于你草图纸上的各种小红帽，却是会永远活在一个与首席小红帽平行的世界，并让你在创作这一切的过程中感觉到作为一个创造者和一个决策者的双重乐趣。 主角选定后是否就该进入构图了？不，不，早得很。除了主角，还有大灰狼、外婆、猎人等若干配角，他们将是什么样也全由你说了算，你又怎能随便给他们安个眉眼就算了事？那也对不起精心挑选的主角啊！想想那些前辈们的优秀作品吧，《三只小猪》、《大猩猩》、《第五个》、《不，大卫》、《奥莉薇》……他们有哪个角色是随便画上去的？如果没有事先投入充足的情感去设计这些角色，它们又怎能有自己的生命和个性？而有个性的角色，其实不一定会和你一开始心里想到的那个一模一样，绘画的魅力是在于，在随性而动的时刻，你的手往往会画出令你自己也感觉意外的图像，画草图就是捕捉这些意外之喜的一个阶段，草图画得越认真投入，你能收获的好东西就越多。反之，把画草图当作是糊弄差事，随便抹几笔，小红帽就以画个三角加圆圈代替，连具体形象都没有，这种草图真的不如不画。 构图也同样，必须是要多多放几个不同视角、不同构思的“平行世界”在那里，才能感到一个造物主的重要。比如，谁说小红帽一定要在林间草地上溜达，她为什么不能去爬树？谁说森林就是一片树，它为什么不能是一排红白相间的棒棒糖？小红帽和大灰狼能不能相遇在一个象棋棋盘上？俯瞰她穿过森林的画面，会不会比平视地看更为有趣？如果用正式的画稿来印证这些猜想，你可能得画几年！但是有了草图就没那么可怕了，正是草图这种快捷方式，使得我们能把脑海中的一闪念记录下来，并反复比对，直至找到最合适的那个画面。 草图还有一个极大的好处，就是让你一眼看得出页面与页面之间是否有关联——把草图按翻页次序排成一行，就像把不同的时空连缀在一起，从A时间点到B时间点是的联系是紧密还是松散，一望便知，初学者常犯的错——诸如把向左走的人在下一页画成向右走——如果采用这种审视草图的方法预览一下，就绝不会再出错。在画草图的时候，还可以把文字用画横线的方式预先画进构图去，这样版面效果也可以预览到了。宫西达也则更进一步，他把自己的草图都装订成书的模样，这样连成书后哪里的图会因为装订被遮住一点，哪一页翻开时最有惊喜，他也都能预先知道。 说了这样多，总结成一句话，那就是：把草图当作真的在制造一本书那样做，这还远远不够，只有把草图当作是同时制造几本书那样做，你才能发现其中乐趣，并获得一本“百里挑一”的真正佳作。 附录： 几种常用绘画工具和纸张及其用法 A、绘画工具 水彩颜料：水彩用水彩笔刷蘸水和颜料上色，由于有水在中间调和，质感非常细腻，不同颜色之间也可以交融为一体，但要是用吸水性不好的纸，水彩的效果就很难发挥，尤其是会透过水彩看到纸的颜色。所以不要以为是初学，就可以随便用纸，一般应选择专用的水彩纸。水彩画笔需要一定的弹性和含水能力，一般用国画笔中的狼毫、白云或者水粉笔等都可以，需两三支中小号笔来搭配着画细节，一支大号笔涂大色块（在涂像天空那种大色块时，也可以考虑使用海棉）。此外，要准备一支小吸管，这样，取水稀释颜料时，就不会使两种色彩混在一起。由于水彩是透明的颜料，也就是说，万一出了差错是盖不住的，所以绘画时一定要非常认真。水彩颜料的透明特性决定了在作画时，浅色不能覆盖深色，所以一些浅色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空”出来。 水粉颜料：水粉用的是油性颜料，不能用水调色，只能靠加白色颜料调浓淡，可用于较厚的着色。虽然同属于不透明水彩颜料，但水粉一般要比丙烯便宜，只是在着深色后不能覆盖，保存时间等方面也比丙烯稍逊一筹。此外，水粉颜料最大的问题是干湿变化对色彩影响非常大，湿的时候，颜色会和油画颜料一样鲜艳，干后由于“粉”的作用，颜色又会变得很暗，虽然含粉使画面充满了水粉特有的丰富中间色，但水粉的细腻度还是远远要低于油画，所以一般只用于创作小幅作品。 水粉笔：一般分为羊毫笔和化纤笔。羊毫笔较软，多为白色，适合薄画和湿画法。化纤笔较硬，各种颜色都有，但多为棕色，适合干画和厚画法。水粉笔最忌讳的就是用完之后在水里泡着，这样不但会使笔杆掉漆，还会使笔毛变形，造成不可挽回的损坏。正确的方法是在每天用完之后，将笔上的颜色清洗干净，挤净水分，用报纸或卫生纸将笔头包好备用，这样可以保证在每次画画时，画笔都和新买的一样好用。 丙烯颜料：丙烯是发明于20世纪60年代的一种新型颜料，它具有可加水调和，干得快，可覆盖，干燥后不变色，不脱落，画面不反光，用任何画笔、画刷、画刀甚至丝瓜络都能画的优点。丙烯涂得厚一点就像油画，加水涂得薄一些，又像水彩。丙烯颜料最适合在容易吸水的粗糙底面上作画，比如，纸板、棉布、木板、纤维板、水泥墙面等。不仅可以画插画，还可以用于画手绘墙。但由于丙烯颜料在水分挥发后就会立刻干透，因此一定要事先想好上色的程序步骤，作画时尽量一气呵成。 彩铅：彩色铅笔简称彩铅，上色时会有线条的痕迹，可以利用这些线条画出不同的质感，如动物毛茸茸的感觉等，但不适合涂抹大色块，如天空等（会累死的～），适合表现有丰富细节的图画，也可搭配色粉笔使用。彩铅的颜色也很多，有百种以上，不过倒并非色越多就越好，个人经验，36色足够画出所有我需要的色彩，关键还是颜色搭配。彩铅一般分为两种，一种是不溶性彩色铅笔，另一种是可溶性彩色铅笔。前者上色后很难擦去，并且不会因为沾水溶解，后者如果刷上水，会出现色彩相溶的效果。也有人把彩色铅笔细分为软质彩色铅笔、水彩彩色铅笔、硬质彩色铅笔、粉腊笔和重点笔。软硬质彩色铅笔只是色彩浓淡有之分的普通彩铅，水彩彩色铅笔就是水溶铅笔。粉腊笔描绘出来的图会粉粉的，画完后以手指摩擦还会擦掉画上的粉，不过很适于晕染的画法。重点笔是以纸卷包住笔芯，稍带有黏性，可以在塑料、玻璃、木头、石材等任何东西上作画。 色粉笔：也称彩色粉笔，一般为8-10cm长的圆棒或方棒，历史悠久（可以追溯到旧石器时代），色彩众多（有多达550余种的颜色供选择）。它最大特点是不需借助油、水等媒体来调色，可以直接作画。有时可用布和纸来涂大色块，但用手指涂抹仍然是最佳选择，力度控制全在自己指间把握，随心而动，非常方便。较浅的颜色可以直接覆盖在较深的颜色上，适合在各种色彩的纸张上作画，还可以和纸张颜色融为一体。如用笔端上色，出来的效果类似蜡笔，笔触很粗；也可以用研磨下来的细末涂抹，出来的效果细腻，类似水墨晕染；如果在粗卡纸上涂抹，效果更独特，兼有油画和水彩的神韵。唯一不足是作品需要喷定画液以防色彩脱落（定画液通常和色粉笔在一起出售）。值得注意的是，不同地方出产的色粉笔色彩饱和度也不同，韩国、日本进口的牌子色彩鲜艳，价格也高，国产的颜色较暗，但比较便宜，个人感觉，没有必要追求过于鲜艳的色彩，颜色好不好，还是看搭配，我自己用的就一直是国产的牌子，也并没有因为其较暗的颜色影响自己的绘画效果。 马克笔：又称麦克笔，分为水性和油性（还有一种酒精调和的，干得更快），油性马克笔快干、耐水，颜色多次叠加不会伤纸。水性马克笔则有透明感，但多次叠加颜色会变灰且伤纸。马克笔的颜色也是极多，且有不同大小的笔头，细笔头画出的线条有些类似钢笔，粗笔头画出的线条类似毛笔，是勾画线条的便利工具，可以结合色粉、水彩等任意一种画法使用。马克笔里最细的一种叫针管笔，是绘图常用的，也可用于勾画画面中最精细的部分，如，动物的胡须等。 铅笔：又称素描铅笔，虽然普通，在绘草图时却必不可少，也有一些图画书除了铅笔之外没有用任何工具，比如《雨果的秘密》。铅笔上一般会有4H、2B之类字样来表示它的软硬度，H表示铅芯的硬度。H前面的数字越大，铅芯的硬度就越大，画出的色泽也越淡；B表示铅芯的软度，B前面的数字越大，铅芯越软，画出的颜色也越深；HB为中性铅芯，即既不硬也不软。最普遍用的是2B的铅笔。还有一种炭铅笔，黑白对比强烈，但不容易修改。 软橡皮：软橡皮是属于绘图专用的橡皮，外观上和我们平常所见的香橡皮不一样，倒更加像是橡皮泥，可以捏成各种形状，断开了也可以再合到一起。但它不含橡皮泥的油性。软橡皮的作用也不完全是擦掉错误，很多时候，它的作用更像一支隐形的笔。比如，在画素描或色粉画的时候有一些地方，需要颜色变浅而又不是完全擦掉，或者需要擦出很细的一条线或是一个点的时候，就会用到软橡皮。一个小窍门：在色粉画的天空上用软橡皮轻擦，就能得到雨点的效果。 B、纸张： 绘图纸：很常见的纸张，纸质厚，表面较光滑，吸水性不强，可用于钢笔淡彩，也适合马克笔、彩铅、水粉画。 素描纸：同样很常见的纸张，纸质较厚、吸水性稍差，表面略粗糙、耐擦，适合作彩铅或者色粉画的用纸。 水彩纸：很厚，吸水性比一般纸要好，有韧性，适合水彩和水粉画。依纤维来分的话，水彩纸有棉质和麻质两种。如果要画细腻的主题，一般选用麻质纸，如果要用到水彩中的重叠技法，一般选用棉质纸，因为棉吸水快，干得也快，但缺点是时间久了会退色。 宣纸：很薄，吸水性很好，能体现丰富的墨迹层次，宣纸一般有生宣和熟宣两种类别，生宣吸水度和柔韧度都比熟宣高，适合泼墨画法，而熟宣是用矾水加工过的，比较脆，表面光滑，耐水浸，适合工笔画法。 色纸：有颜色的纸张，色彩丰富，不过大多数为中性低纯度颜色，可根据画面内容选择适合的颜色基调。 牛皮纸：多为包装用纸，有淡褐色、奶油色和白色，也可以作为色粉笔的绘画用纸，如果运用得当，和进口色纸效果一样很棒。 刮蜡纸：刮蜡纸也叫刮画纸，是在彩纸的表层喷涂了一层黑色的软蜡，用任何工具，包括手指甲，都可在黑纸的表面刮出彩色线条，效果非常绚丽。 彩砂纸：在纸层上粘附有彩色的细砂层，用油画棒或者色粉笔在上面作画时，绘出的图案会更具层次感。 （上述最后两种纸张是常见于儿童美术教学的，用来做图画书的倒是极少，不过个人使用的感觉非常好，并且十分适合初学者上手，所以也在这里推荐一下。另外，其实复印纸也是很好用的纸张，我妈妈单位的复印纸经常被我用来画画，这种纸张韧性好，又很细，是画彩铅和色粉的好东东。我画苹果星球的时候，还用过黑色卡纸，效果也不错，堪与进口色纸媲美。所以，不管是用什么工具什么纸张，其实都是无妨的，只要能达到你想要的效果，就是最好的选择。） 蒲公英奖的插画画廊: http://cg.chahua.org/?蒲公英奖本文出处：插画中国论坛（http://bbs.chahua.org),转载请注明 我的画廊 http://cg.chahua.org/?蒲公英奖http://cg.chahua.org 中国插画画廊-插画师作品展示中心 [1 楼] | Posted:2010-12-30 22:20| 蒲公英奖 级别: 新手上路精华: 0发帖: 4威望: 13 点积分: 12 分推广值: 0 点注册时间:2010-12-30最后登陆:2011-01-08
【修图&排版篇】如果说，制作一本图画书的准备工作要比真正的绘画时间长几倍，那么，画完了你也别以为就全部搞定了，其实，如果没有后期调整制图和做图文排版的程序，再美的图也不可能上机印刷，而做这些后期工作的时间，有时也不比画画的时间少。个人经验，不算前期准备，我画《故事星球》的正式稿只用了一周，而后期扫描、调色、排版的时间加起来，则绝对比这个时间只多不少。而且，如果说绘画之前的准备工作涉及开本等印刷常识，绘画之后的工作就更加需要使用专业图像软件和排版软件的知识了。不具备这些知识的话，再好的稿子也会被做成残次品。不过，也不要被这些听上去复杂的程序吓倒，就是出版社的专业美编，也是用的和你一样的电脑，他们用的软件也一样可以从网上下载，只不过，一般人并不了解他们是怎么运用这些软件的。我在这里抖出这些操作上的步骤和窍门，倒不是想要号召大家都去做美编，而是在知道和熟悉这些操作步骤之后，你会对什么图更能达到美编的要求，做到心中有数。尤其是，当你的图片不合排版要求时，如果掌握好了这门技术，你就不一定要返工重画。一、扫描：正确的设置胜过机器的档次电分是用于制作高品质图画书的专业手段，我们平常人家自然购买不了那么高级的机器，不过，用家用扫描仪，也未必不能做出较高品质的图片，前提是，1、你的图本身没有运用过于复杂的绘画技巧，没有特别精细微妙的色泽、笔触或肌理变化；2、你的扫描仪质量较好，设置也很准确。扫描时，首先要注意的是格式与分辨率，分辨率设置在多少合适，这个我们在印刷篇里就已经说过了，但应该设置什么格式还没细说过，在这里补充一下：在扫描时一般默认的格式是TIF文件，这也是印刷中最常用到的格式，所以不必做改动。当然，也有些人喜欢用JPG格式来保存文件，因为占空间少一些，但是，JPG文件是一种有压缩率的图片格式，在压缩的过程中会有一部分像素的损耗，一般只适合用在数码印刷中，或者不求很高清晰度的图书打样中。而且，JPG和JPG之间也有差异，保存时画质选为12和选为8的图画质量就相差很多。如果你在扫描时选择的就是JPG格式，即使再转为TIF，画质也一样高不了哪儿去了，所以正确的做法是选择TIF格式扫描，等到要压缩图片上传网络的时候，再转为JPG。还有一种常见图片格式GIF，则主要是用于保存大面积纯色块的矢量图和制作网络动画的，这里就不详述了。二、调色：眼睛胜过一切数据扫描仪的前期设置自然十分重要，但也必须看清楚一个现实，那就是，扫描不是电分，不管扫描得多认真，扫描图片和原稿之间仍然会有一些差距，诸如色粉画，扫描出的颜色往往会显得比原稿浅很多，因为“粉”是吸光的，所以扫描仪扫不出其真正的色彩纯度也十分正常。而这时，就需要通过ps之类的图像软件，来对色彩失真的扫描图进行调色了。Photoshop里，“图像—调整”中的几个选项，可以说是最为常用，首先是“自动色阶”，它会自动增加图片的深度和明度，让整张图立刻清晰起来，但这一选项不是对所有的图都适合，有些时候用了自动之后你会发现它调整的颜色和原稿比，有较明显的色差，这时我们就只能手动调色了。亮度&对比度，色相&饱和度，这两个选项是手动调色中最常用的，对比度和饱和度都能让暗淡的图片鲜亮起来，可这鲜亮的效果还是有差别的，对比度是拉开不同颜色的明暗度，饱和度是整体提升颜色纯度，怎么把握对比度和饱和度的数值，都是因图而异，你只能凭着视觉去一遍遍反复尝试，直到自己感觉满意为止。当你的图不是明暗不对，而是偏向某种色调，比如偏蓝或是偏红，色彩平衡这个选项就有用了，它可以让你改变整个图的色调倾向，比如，冷色调的图往红、黄两色上拉大数值，就变成了暖色调，当然，这种调节仍然需要你用目测来把握。还有一个选项——替换颜色，在图片是白色背景时，是必定要用的，因为任何一个扫描仪在全彩模式下扫描出的白色都不会是真正的白色，而是一种接近白色的浅灰色，要让图片在印刷时不发灰，就必须去除这层灰底色。有人喜欢用魔棒选取工具或是橡皮擦来清除，但往往效率很低，且清得不够彻底就会留下难看的灰斑。个人经验，在需将大块灰色变白的时候，替换颜色是最合用的选项，只要点选需要刷白的区域，再将明度调到100%即可，只是，调节的时候需要注意，有些图片中需要保留的灰色也会跟着一起变白，这时候你就需要在调明度的同时调节对话框里的颜色容差线，容差值调小，刷白的区域也会缩小，如果还是让不开你需要保留的颜色区，那么，就先复制你要保留的区域，等刷白了之后再把那一块用粘贴的方式补进去即可。同样，扫描中的黑色也不是真正的黑，如果你希望图片中的黑线更清晰，也可以用替换颜色，将明度调到0即可。使用这个选项，同样也可对图片中的大色块部分加深或减淡，比用减淡&加深工具更快捷，当然，这种方法不适用于细部修改。“通道”被一些使用ps的人奉为高手才会碰的领域，我只能说，它是被神化了。对于不打算用ps做什么特效的我们来说，通道起到的作用其实就像一个另类预览器。比如，当我们把图片转换到CMYK格式，准备导出一份印刷稿的时候，我们就可以在“通道”的对话框里看看cmyk这四个不同通道里的色彩状态。点选只显示一个通道的结果，是会出现一个黑白图，有时，在彩色状态下看不到的斑点和瑕疵，却可以因这黑白的图像清楚显现。三、修图：丑女变美不是罪很多人都知道，网上存在不少ps美女，因为黄皮肤在ps里能变白，脸上的斑点在ps里能消失，短腿能拉长，小眼睛能放大，对这种“美化丑女”的做法，大家很是嗤之以鼻，因为这种美不真实。但是，在图画书里，这种带“美化”性质的修图却是在出版前必做的一个工作，否则出来的就会是一本烂书。这首先是因为，没有一张原稿会是完美的，我们肉眼所见的白色纸张，一旦进了电分或者扫描机，出来的图片也总会带着许多斑点，这些点点大都是纸张本身的杂质以及在绘画时粘上的一丁点颜色，可就是这一丁点颜色，也不能在准备印刷的图片上留下，否则印出来就是一个难看的“麻子脸”。有时候，原稿的边角没画到，还有的时候，图片的尺寸比例和开本的尺寸比例之间没做到严丝合缝（比如有一个正方形的图要放进一个180*170的书里），这时候，绝对不能简单填充点颜色或是放大图片了事，而是要通过“复制印章”这个工具选项，用来自图片本身的像素把空白处一点点填满，这样做过之后，还要在ps里，将图片放到100%，再拖动图片观看细节，尤其是看看填充的颜色与原来的颜色是否融合划一，线条边缘的清晰度是否足够。如果你不是这样耐心复制填充的，而是用油漆桶填的色，在以100%比例观看的时候，你就会发现，在有着细腻纸张感的区域里有一块光滑而难看的色斑或是色条，就像磨砂地砖上被糊了一块光溜溜的涂料。如果图片在修图中因为不当的放大，损失了原来的像素，在以100%比例观看的时候，你就会发现，原来是笔触线条的地方变得模糊一片，就像隔着一块毛玻璃看照片。除了复制和放大，修图的另一重要功能是，让图片在排版时能够达到文图更和谐地结合为一的效果，尤其是在一些图片本身存在很大问题时。比如，在《妞妞和三三》中，原来的剪纸稿全部是A4纸大小，当用这些原稿按照作者自定的20开大小制作图片时，就有将近三分之一处空白。作者采用了电脑制图去填补空白，但是电脑做出的色块是明显没有原稿的纸张纹理的，而且由于像素不足，所有电脑制作的部分在放到100%观看时，都显得格外模糊。于是，只能采用这样一个复杂的步骤来修补：先对这些模糊色块重新填色——再新建一个图层——将原稿上的纸纹切一块下来，制为图案印章——再点选背景图层的色块，确定填充区域——将新建图层调整为透明度30%——用图案印章在新建图层的填充区反复刷，直到全部填满——合并图层，再调色，直到覆盖了纸纹的电脑制作的那部分图，和原稿在色彩上基本吻合。这种修改极费时间，但修出的图基本能达到印刷时需要的清晰度，也能让那三分之一电脑色块和原稿的剪纸浑然一体。而除了这种“大手术”，一些为了排版必须要做的“小手术”也同样很费时费力。比如，在《嬉戏曲》这本书中，有一张“写给巨人的孩子们”的图画原本是蓝色花纹底，但是，这样的图画没有给文字排版留任何空隙，如果就让文字留在图画外，又会令文字在页面上排得极拥挤，所以，就只能采用修图中“抠”的手法，用套索工具把图画主体——脑袋上长花朵的小孩，从蓝色背景里选取出来，再点：反选—清除，去掉蓝色。然后用减淡工具和橡皮擦仔细清掉小孩脑袋旁边残留的一些斑斑点点，这样，这个图画就能放在白色的书页上的任意位置了，并能够和文字紧密结合（这种“抠图法”几乎会应用在所有需要单独小图的地方，如标题图，页眉图，页脚图等等）。在《不一样的虫虫》当中，有一张图“一样多”，原图不够宽，排了文字后还有很大一截空白，看起来文图很“隔”，于是，就采用了将原图斜切，切下的一角从图的上半截拼接到下半截，再用复制工具、减淡工具和橡皮擦仔细修复切图的边缘，让其变得柔和，达到和白色版面衔接自然的效果。还有《从前的大人和小孩》当中，有一张“大黑猫”，原图是一只白猫，为了和文字内容结合更紧密，就用了图像调整—反相的选项，让猫的白皮肤变黑，黑胡子变白，蓝色背景也变为橙色，这样就达到了“猫被烤黑”的效果。至于说，为了让开一处文字的位置，对图像中某些物体前后左右的位置的“微调”，就更是修图中常有的事。可以说，修图是一本图画书的后期制作中最为重要的一环，因为它需要以不同的处理方式对待不同的版面情况，这就需要修图人的头脑灵活，技法熟练，并且十分清楚印刷和出版的需求，只有这样才可能“点石成金”，将一个看似不合要求的稿子变成一张完美的杰作。这种对图书的美化不是虚伪，而是智慧，是技艺，是一个美编的必修课