c罗欧洲杯含金量:天人合一的中国国画内涵

1月28日，他在接受本报独家专访时，详细阐述了“学传统应该学什么以及怎么学”。他认为，师法前人不是学习前人画面的面貌，而是要学习前人画道之精神，学习传统的神髓，如此才是真正的继承传统，才能运用所学创造艺术在当代的形式。

有关传统的存续或者摒弃是中国社会100多年来萦绕不去的话题，在今天这样一个技术迅速更新并以商业为主潮的时代，传统更是时时面临冲击。在艺术领域，传统与现代之争尤为激烈，历史上曾出现过多次大规模的争论。而每次高扬传统无用甚至主张抛弃传统的风潮过后，总会出现集体性的反思与回顾。事实证明，传统无处不在，任何完全抛开传统的创新都是不存在的，创新要在传统之上才能够完成。

　　要深入了解中国画的传统，先以古人为师，再以造物为师，因为中国画是从自然里创造出来的。

　　美术理论家王志纯在接受本报专访时说过这样一段话：“艺术家的职责是创造艺术在当代的形式，而当代艺术的形式其实跟传统有着千丝万缕的联系，并且一定是从传统中自然而然地生长出来的，这样的艺术才会具有生命力。”

　　中国艺术研究院特聘研究员、中国戏曲学院客座教授李晓松是山水画画家，他主张画家应当深入了解中国画的传统，以古人为师。山水画可说是中国画中最具古风的画科，对作画者的传统文化素养有较高的要求。李晓松将学习和继承传统看作开拓个人创作空间的基础，而不是为自己设立一种规限，不是一味模仿古人的画作。
　　中国画的一点一墨在宣纸上都会产生出笔痕墨迹的效果，这些都是传统里面的东西，是靠笔墨功力和人文精神支撑的……笔墨的作用不仅仅局限于技法，更是画家性情的体现

　　山水画的描绘对象是自然景物，但又不仅仅只专注在景物本身，它充分体现了 “以形媚道”、“天人合一”的中国传统文化内涵。如果对山水画的历史略加了解便不难发现，它的产生、发展和演变始终与儒、道、禅、玄等传统文化思想密切相关，可以说，山水画的艺术精髓就生长在传统之中，不可剥离。

　　谈到中国画的传统，一定要提到笔墨。笔墨是中国画技法的总称。不夸张地说，没有笔墨，也就没有中国画的存在和发展。不过，随着时代大环境的改变，同时，外来绘画形态、绘画技巧的不断涌入，中国当代绘画早已不再由单一的传统中国画构成，而是具有了前所未有的丰富样式。

　　同时，李晓松认为，“笔墨”的作用不仅仅局限于技法，更是画家性情的体现，“一幅画、一幅字或一篇文章都是由"一笔画"、"一笔书"而生，这里的"一笔"既是画家长期研习笔墨技巧，不断练习的结果，也是一幅新的作品的开始。从无到有，由一笔到千万笔，由简到繁，由部分到整体，画家的笔墨性情正是由一幅幅作品的诞生而培养出来的，更为创作积累了丰富的经验。

在这样的背景下，笔墨的价值和地位不断受到质疑，随之引发的争议至今仍在持续。李晓松认为，中国画是单纯的、质朴的、安静的、民族的，笔墨是中国画不可缺少的一部分，他说：“中国画的一点一墨在宣纸上都会产生出笔痕墨迹的效果，这些都是传统里面的东西，是靠笔墨功力和人文精神支撑的，当这种内在的精神到达一定高度时，中国画的意境、味道就会在特定的环境中产生。 ”

　　离开了笔墨，离开了功力，中国画将弱不禁风，无以承载……中国画的创作一定要在笔墨功夫上多下苦功，要深入了解传统，先以古人为师，再以造物为师

元代则有4个十分出色的山水画家，被称为"元四大家"，他们是吴镇、黄公望、倪瓒和王蒙。”宋元在山水画方面的成就对中国画未来的发展具有深刻影响，李晓松先从宋元入手，再学石涛、八大山人，近现代历史上著名的山水画大师黄宾虹也是他研究的重要对象。

　　有观点认为，“笔墨就是功力”。换一种说法就是火候。离开了笔墨，离开了功力，中国画将弱不禁风，无以承载。李晓松强调，中国画的创作一定要在笔墨功夫上多下苦功。“要深入了解中国画的传统，先以古人为师，再以造物为师。因为中国画是从自然里创造出来的，笔墨的功夫则要先从古人学起，而笔墨来源于临摹。学到老，临到老，先期打下坚实的基础才能够为以后的创作留下更宽广的天地。 ”

正像无数条小溪汇聚成河流、大江，最后注入波澜壮阔的大海，而这无数条溪流、江河、大海之水，经由宇宙之转换再洒向大地万物。万物归一，又从一开始，引发无数，周而复始。这也是我对"道生一，一生二，二生三，三生万物"的又一种理解。以此理贯穿万事，则万事皆有其理，即孔子所说的"吾道一以贯之"。 ”

　　李晓松结合自身的经验介绍了学习古人、学习传统的重要意义。他的山水画创作，首先师法宋元。著名学者蒋勋在《写给大家的中国美术史》一书中用简练易懂的语言介绍了中国画的发展历程，当中提到宋代山水画时，他写道：“宋代的"格物"精神从细小的一只鸟、一朵花开始，最后扩大成为对宇宙自然全面的观察研究，因此也产生了中国绘画中最好的山水画。